Podcasts de historia

John Boulting

John Boulting


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

John Boulting, hijo de Arthur Boulting y Rose Bennet, nació en Bray, Berkshire, el 21 de noviembre de 1913. Su hermano gemelo fue Roy Boulting.

Los hermanos Boulting fueron a la escuela de lectura, donde se hicieron amigos de Josh Francis y William Ball. Según los autores de No podemos estacionar en ambos lados (2000): "A primera vista, Boulting parece haber sido un alumno modelo: capitán de los primeros quince de rugby de la escuela, secretario de la Sociedad de Debate y cabo del Cuerpo de Entrenamiento de Oficiales".

John Boulting estaba fascinado con la industria del cine y en 1933 se unió a Ace Films, una pequeña empresa de distribución de películas con sede en Wardour Street, Londres. Más tarde describió este período de su vida como uno de "vender películas malas a exhibidores reacios". Dos años encontró trabajo con un productor de cine independiente. También era socialista y miembro del Partido Laborista, donde continuó su amistad con Roy Poole, Josh Francis y William Ball.

Al estallar la Guerra Civil española se decidió formar un Comité de Ayuda Médica Española. En su autobiografía, Todos mis pecados recordados (1964), Peter Spencer, segundo vizconde de Churchill, explicó lo que sucedió: "Un grupo de nosotros - tres médicos muy conocidos, un científico famoso, varios sindicalistas y un comunista - formamos un comité con el propósito de recolectar dinero para suministros médicos que se enviarán a las fuerzas del Gobierno español ". Boulting y su amigo Roy Poole decidieron ofrecerse como voluntarios para unirse a este grupo, mientras que Josh Francis y William Ball se unieron a las Brigadas Internacionales.

El Primer Hospital Británico fue establecido por Kenneth Sinclair Loutit en Grañén cerca de Huesca en el frente de Aragón. Boulting se unió al grupo en enero de 1937. Otros médicos, enfermeras y conductores de ambulancias en el hospital fueron Reginald Saxton, Alex Tudor-Hart, Archie Cochrane, Penny Phelps, Rosaleen Ross, Aileen Palmer, Peter Spencer, Patience Darton, Annie Murray, Julian Bell , Roy Poole, Richard Rees, Nan Green, Lillian Urmston, Thora Silverthorne y Agnes Hodgson.

Boulting estuvo involucrado en los delitos en Brunete y Belchite. Su amigo y compañero conductor de ambulancia, Roy Poole, le dijo al Crónica de lectura: "Es un trabajo muy duro, por supuesto. A menudo no tienes más de cinco horas para tu noche. Hemos tenido hasta 150 casos que manejar en un día. Calculo que solo yo he conducido mi ambulancia más de 11,000 millas en caminos verdaderamente malvados - no está mal en unos tres meses. Antes de que llegáramos al lugar, los heridos tuvieron que ser arrastrados desde las montañas en mulas ".

A su regreso a Inglaterra en noviembre de 1937, John y su hermano Roy Boulting formaron Charter Films. Su primera película fue el documental The Ripe Earth. Con Roy dirigiendo y John produciendo, la compañía también lanzó thrillers como La casera o la propietaria (1938), Considere su veredicto (1938), Encuesta (1939) y Crimen de maletero (1939).

En 1940, John Boulding produjo y coescribió la película antinazi, Pastor Hall. La historia se basó en la resistencia del pastor Martin Niemöller, interpretado por Wilfred Lawson, quien en 1933 se había quejado de la decisión de Adolf Hitler de nombrar a Ludwig Muller como obispo del Reich de la Iglesia protestante del país. Con el apoyo de Karl Barth, profesor de teología en la Universidad de Bonn, en mayo de 1934, un grupo de pastores rebeldes formó lo que se conoció como la Iglesia Confesional. Cuando el gobierno nazi continuó con esta política, Niemöller se unió a Dietrich Bonhoffer para formar la Liga de Emergencia de Pastores y publicó un importante documento oponiéndose a las políticas religiosas de Hitler. Como resultado, ambos hombres fueron enviados a campos de concentración. Niemöller fue a Dachau y Bonhoffer fue enviado a Buchenwald, donde fue ejecutado en 1945.

Después de hacer esta película, John ingresó en la Royal Air Force como mecánico de vuelo y Roy en el Royal Armored Corps como soldado. Posteriormente, los hermanos gemelos fueron trasladados a sus respectivas unidades de filmación de servicio, donde realizaron documentales de guerra. Se les concedió una licencia especial para volver a Charter Films y produjeron la película de propaganda. La Guardia del Amanecer (1941) para el Ministerio de Información y el largometraje Thunder Rock (1942). Ascendido al rango de teniente de vuelo, John Boulting dirigió el largometraje documental. Viaje juntos (1945).

Alan G. Burton ha argumentado: "El cine de guerra de los Boultings era progresista, moralista y fuertemente antifascista, con sus películas promoviendo los ideales democráticos de la guerra popular y rechazando la desacreditada política de apaciguamiento de la década de 1930. Sus logros fueron ampliamente reconocidos y se identificaron con el renacimiento del cine británico, que se consideró que había alcanzado una nueva madurez y honestidad al enfrentar la crisis nacional ".

Después de la guerra, John Boulting dirigió la aclamada Brighton Rock (1947), película basada en la novela de Graham Greene. Luego produjo La fama es el acicate (1947), película basada en una novela de Howard Spring que trata sobre un político de izquierda que traiciona sus creencias socialistas. A esto le siguió la producción El conejillo de indias (1948) y dirigiendo Siete días para el mediodía (1950), una película sobre la posibilidad de una guerra nuclear.

Boulting luego cambió de dirección e hizo una serie de películas de comedia satírica como Progreso del privado (1956), Lucky Jim (1957), Cuñados (1957), Carlton-Browne del F.O. (1959), Estoy bien jack (1959), ¡Cielos arriba! (1963), El camino familiar (1966) y Hay una chica en mi sopa (1970). Estas películas ayudaron a convertir en estrellas a Ian Carmichael, Richard Attenborough, Terry-Thomas y Peter Sellers.

John Boulting murió el 17 de junio de 1985 en Sunningdale, Berkshire.

En la actualidad, hay tres personas de Reading en España que ayudan con las unidades de ambulancia en Madrid (Thora Silverthorne, Reginald Saxton y Roy Poole), y cuando esto se publique probablemente se les habrá unido en el frente otro de sus habitantes (John Boulting ).

Se trata de Archibald Frank Francis, un inspector de seguros de 24 años, que de repente dejó su trabajo hace una semana para ayudar al Gobierno español en su defensa de Madrid. Dio este paso después de tres semanas de cuidadosa reflexión durante las cuales solo unos pocos amigos sabían de sus intenciones.

Tomó su decisión después de leer los llamamientos en varios periódicos para que se enviaran alimentos y ropa a los civiles angustiados en Madrid ... y la última vez que se supo de él estaba al otro lado del continente para unirse a la Brigada Internacional.

Tenemos un grupo muy agradable de choferes ingleses con nosotros. Debo decir que de habla inglesa también hay estadounidenses y había un canadiense. Uno de ellos, John Boulting, que solía tener el pelo largo, afirma que vino a tomar el té contigo con Bill Ball antes de irse a España. En las dos últimas batallas, nuestros chóferes que tienen que subir cerca de la línea del frente con sus ambulancias han tenido muchas bajas: 4 muertos, 2 desaparecidos, yo herido, estoy gravemente enfermo.


Los conferenciantes & # x27 world

El autor: Kingsley Amis (1922-1995) se inspiró para comenzar a trabajar en su primera novela después de visitar a su amigo Philip Larkin en la Universidad de Leicester en 1946: el mundo de los conferenciantes era "un modo de existencia completo al que nadie había llegado", comentó más tarde. . En 1951, habiendo conseguido un trabajo en University College, Swansea, había completado un primer borrador, pero fue rechazado por una serie de editores. Gollancz aceptó una versión reelaborada, que finalmente se publicó en enero de 1954. Su éxito fue inmediato, lo que llevó a Amis a la celebridad literaria en dos frentes: entre paréntesis con Iris Murdoch, John Wain, Thom Gunn y Larkin como parte del "Movimiento", y como un "joven enojado" junto con John Osborne y Colin Wilson. Continuaría publicando muchos más (finalmente ganó el premio Booker en 1986 por The Old Devils).

La historia: La figura de Jim Dixon es un vehículo para el ataque de Amis a una amplia gama de objetivos del establishment, desde la academia osificada hasta el elitismo cultural de la BBC. Al mismo tiempo, Dixon intenta mantener su trabajo como profesor de historia medieval, evitar los avances de una colega pasivo-agresiva y perseguir románticamente a una atractiva conocida, Christine Callaghan. Como personaje, Dixon ejemplifica las preocupaciones de una generación frustrada (financiera, intelectual y, sobre todo, sexual) que eventualmente se metamorfosearía en la contracultura de la década de 1960.

El cineasta: El director original de Lucky Jim fue Charles Crichton (The Lavender Hill Mob A Fish Called Wanda), que había estado filmando durante dos semanas antes de que John y Roy Boulting, los temibles productores y directores de la junta directiva de British Lion, lo expulsaran de la banda. el estudio de producción de la película. John Boulting (1913-85) asumió el cargo de director y su gemelo Roy como productor. Los Boultings se habían hecho un nombre con una serie de películas y thrillers temáticos y de actualidad, incluida Brighton Rock (1947) en la década de 1950, sin embargo, recurrieron a sátiras más suaves sobre la vida institucional británica. Private's Progress (1956) fue la primera, y los Boultings heredaron a su estrella, Ian Carmichael, cuando se hicieron cargo de Lucky Jim.

Cómo se comparan el libro y la película: A pesar de su éxito de taquilla, la película despertó un descontento considerable. "En su forma habitual, los Boulting se conforman con la caricatura y la farsa. Se pierde todo sentido de lugar y tiempo", escribió el crítico Peter Stead. La capacidad de Amis para exprimir la insoportable humillación de encuentros aparentemente triviales ciertamente se pierde, y gran parte de la película se reproduce como una broma ruidosa y cruda. La alegre genialidad de Carmichael está en desacuerdo con el resentimiento latente del Dixon original, y la inexperta Sharon Acker, cuya Christine es un personaje remilgado, té y galletas, está muy lejos de la Christine de buen corazón de la novela. A la película no le ayuda el diálogo plano (intencionalmente) de Amis, que debe contrastarse con la vida interior anárquica de Dixon.

Inspiraciones e influencias: La popularidad de Lucky Jim señaló el camino para los Boulting: el siguiente crédito como director de John Boulting fue la sátira antisindical y protagonizada por Peter Sellers I'm All Right Jack, a la que se le atribuye la contribución a la victoria de Harold Macmillan en las elecciones generales de 1959. A través de Sellers, se puede rastrear una línea directa de influencia desde los Boultings hasta las sátiras de la contracultura que Sellers hizo a principios de la década de 1960 para Stanley Kubrick: Lolita y Dr Strangelove.


Los hermanos Boulting: santos tontos

L a historia de los hermanos Boulting es la historia del cine británico en miniatura. La brillantez, las comodidades y las decepciones están ahí. En la década de 1940, despegan del realismo documental para alcanzar las alturas de la extravagancia noir, antes de volver a caer en una dignidad poco emocionante. A principios de la década de 1950 producen dos rarezas fascinantes, características de la rareza de la época. Más adelante en esa década, recurren a una farsa satírica acogedora, producto de un gruñón exasperado. La década de 1960 los ve tratando de salir adelante y haciendo un esfuerzo de mediana edad para "swing", pero también creando una obra que encuentra una belleza extraordinaria y vulnerable en la vida cotidiana. Y después de eso, se agota, sus carreras comparten la muerte temporal de la industria cinematográfica nacional.

Nacidos hace 100 años, Roy y John eran gemelos que se convirtieron en una especie de autor fusionado: producían, dirigían, escribían sus películas juntos y ocupaban puestos como codirectores de British Lion Films. Para cada película, podría ser un juego de salón para los críticos tratar de distinguir el trabajo de un gemelo del otro. Hay indicios de que John era el talento de dirección más fuerte, pero, en realidad, la forma más clara en que un gemelo se marcó a sí mismo como distinto fue cuando Roy, muy casado, se casó con la joven Hayley Mills (había 33 años entre ellos).

En la guerra hicieron su parte como cineastas: Roy con el ejército y John con la RAF. Aunque estaba en contra de Humphrey Jennings El pueblo silencioso, El clásico de propaganda de Roy, Victoria del desierto (1943), documental sobre la batalla de El Alamein, probablemente mereció su Oscar. El impulso documental también resultó fundamental para su primera obra maestra. Brighton Rock (1947), una película tan buena como el mejor cine negro de los 40.

Años de contemplar la beneficencia de ojos húmedos de Richard Attenborough hacen que sea difícil recordar que, como actor, siempre estaba en su mejor momento interpretando el mal sórdido. En 10 Rillington Place, es satánico con un cárdigan, y es admirablemente espeluznante en Brighton Rock. Insinuante tanto de inocencia como de frialdad, sus grandes ojos eran perfectos para el cine, al igual que la combinación de la palidez de un niño pequeño, un traje elegante, una cicatriz de navaja y un escudo de Bryl. La película en sí está atrapando visualmente la muerte de Spicer en la casa de huéspedes que aturde con el impacto de su sórdida violencia.

Es asombroso darse cuenta de que su próxima película fue la dulcemente aburrida El conejillo de indias (1948) - es una tarifa británica amable, pero comparada con Brighton Rock, se ve horriblemente como un peatón. Se podría pensar que la película fue la primera y prematura incursión de los hermanos Boulting en el campo de la sátira social, pero aquí, el chico de clase trabajadora colocado en un internado superior manifiesta su conservadurismo esencial. Su título americano, El forastero, sugiere todas las cosas que no es. El niño héroe (interpretado de manera bastante inverosímil por Attenborough) puede decir "culo" y poner dos dedos en la estatua del fundador de la escuela, pero la película en sí sigue enamorada de la Inglaterra de los privilegios: las paredes de hiedra, los claustros, el pasillo de la escuela de madera. Todo lo que se puede imaginar en términos de cambio social es que el privilegio debería extenderse a unos pocos otros elegidos, a los brillantes, a los que juegan en el club, a los buenos en los juegos.

Siete días para el mediodía (1950). Fotografía: British Film Institute

A principios de la década, los hermanos hicieron dos de sus películas más extrañas y fuertes. En Siete días para el mediodía (1950), un científico anciano se vuelve loco con una bomba nuclear y amenaza con hacerla explotar dentro de siete días en Londres, a menos que el gobierno británico acceda al desarme unilateral inmediato. Es en parte thriller, en parte comedia de Ealing y en parte ciencia ficción distópica. Este último elemento nos recuerda que el pasado ya contiene elementos del aterrador futuro. La crisis nuclear les recuerda a todos la guerra; incluso cuando enfrentan la destrucción final, existe la curiosa felicidad de tener algo así como un propósito nuevamente, alentando la solidaridad. La película da mucha importancia a la extraña incongruencia de la miserable austeridad de Inglaterra al entrar en contacto con la bomba, reliquias vivientes de la época victoriana que se enfrentan al mundo de Hiroshima.

La gran fuerza de Siete días para el mediodía es el placer de lo casual, esos lugares que vislumbra de pasada: los bares, las pensiones, el dormitorio de la actriz descolorido decorado con fotos de su juventud en el escenario. Está todo el desorden y la plenitud de la vida londinense, desde una joven travesti bebiendo tranquilamente en un pub hasta el soldado que se detiene para robarle las bragas a una mujer. En momentos como estos, la película evoca una ciudad gloriosamente sórdida, incluso cuando nos invita a imaginar su borrado.

En el mito nacional, los años de la guerra y sus secuelas se han considerado como nuestra época más gloriosa y una de las épocas en las que las películas británicas estaban en su mejor momento. Sin embargo, cinematográficamente hablando, la década de 1940 y principios de la de 1950 produjeron algunos de nuestros protagonistas más neuróticos, angustiados y auto-divididos. Ninguna película ejemplifica esto de manera más sorprendente que La caja mágica (1951). Se hizo para el Festival de Gran Bretaña, para celebrar el ingenio británico en forma de una película biográfica de William Friese-Greene, uno de los inventores de la cámara de cine. Sin embargo, es difícil imaginar una descripción más ambigua del triunfo técnico británico. La película apareció demasiado tarde y fracasó. Y el propio Friese-Greene (interpretado por un vulnerable y cansado Robert Donat) se presenta como una especie de monstruo, un obsesivo monomaníaco, en bancarrota, oscuro e indiferente a los demás. Su éxito demuestra una especie de fracaso, ya que el mérito de su invención y el dinero en efectivo van a otra parte. Al principio, la película parece digna y un poco sin vida. Sin embargo, a medida que avanza, y se vuelve más estratificado, comienza a parecer una obra maestra curiosa, una película extraña y reflexiva sobre el cine y la relación entre el cine en sí y el recuerdo.

Lucky Jim (1957). Fotografía: British Film Institute

En el imaginario popular, sin embargo, no es por ninguna de estas películas que se recuerda a los hermanos Boulting. En cambio, están vinculados para siempre a una serie de farsas satíricas y petulantes, Progreso del privado (1956), Cuñados y Lucky Jim (ambos de 1957), Estoy bien jack (el mejor del grupo) y Carlton-Browne del FO (ambos de 1959), y ¡El cielo está arriba! (1963). Ves estas películas no por amor al cine como tal, sino por un deseo de entender la Gran Bretaña que fue. Eran películas de conjunto, y qué conjunto realmente excelente fue: Peter Sellers, Terry-Thomas, Ian Carmichael, pero también Dennis Price, Richard Attenborough, Irene Handl, Miles Malleson, William Hartnell.

Después del colosal y loco "No" lanzado al mundo moderno en Siete días para el mediodía, estas películas ofrecen la más débil de las protestas. En todos los casos, un necio, quizás incluso un bufón, pone reparos ante las corrupciones y los compromisos de la vida. El objetivo de los héroes es de alguna manera escapar de la prisión de clase mientras trabajan en instituciones que encarnan las distinciones de clase. Así es que Stanley Windrush, interpretado por Carmichael, nace en la clase de oficiales, pero se convierte en un soldado raso, o está destinado a la administración, pero termina siendo un conductor de carretilla elevadora. Carmichael estaba bien situado para retratar la incómoda trascendencia de las jerarquías sociales, un tonto tonto de mentón débil que podía, si lo deseaba, revelar un tinte permanente de Hull. Solo en ¡El cielo está arriba! es algo así como una sociedad alternativa imaginada: para la mayoría de sus "sátiras", solo existe el deseo de que las cosas vuelvan a ser como eran, para algún antiguo eduardiano. Es la complacencia de su ataque lo que finalmente atraviesa con más fuerza el ejército, la profesión legal, el mundo del comercio y la industria, la iglesia, el gobierno mismo puede ser loco, incompetente y corrupto, pero el héroe es, aunque irresponsable, moralmente impecable.

Aunque queda algo de impulso radical. Para Windrush de Carmichael o Sellers's Rev Smallbone en ¡El cielo está arriba!, la sociedad es demasiado fraudulenta para aceptar. Sus valores no tienen sentido y deben ser rechazados. Al final de Estoy bien jack, el héroe se retira a una colonia nudista bucólica (incluso si está llena de mujeres mayores voraces) en ¡El cielo está arriba!, Rev Smallbone va mejor, abordando un cohete y huyendo al espacio exterior. Es, literalmente, demasiado bueno para esta tierra.En su punto más fuerte, esta es la nota auténtica de estas películas, una nota de rechazo. Los alojamientos alcanzados al final de Cuñados o Lucky Jim se revelan como lo que siempre fueron, una traición inverosímil.

Los hermanos Boulting. Fotografía: British Film Institute

Sin embargo, esta nota extrema se manipula más a menudo. El héroe Boulting es un conformista rebelde. Las películas muestran el derrumbe de un idealista, en el contexto de una Gran Bretaña sórdida, desalmada y codiciosa. El mundo contemporáneo desconcierta a estos hombres, son idiotas, más o menos santos. Se podría decir que el cuestionamiento de una bondad tan impráctica es la clave de varias películas de los Boultings. En una época en la que tantos escritores estaban preocupados por el mal, después de Brighton RockJohn Boulting, en particular, parece haber estado fascinado por las ambigüedades de la virtud, su héroe típico, un Cándido irresponsable. Las problemáticas consecuencias de intentar ser bueno son su gran tema. La caja mágica, Estoy bien jack y ¡El cielo está arriba! todos exponen el elemento de locura, de fracaso, al negarse a vivir con el mundo tal como es. Incluso el científico loco en Siete días para el mediodía está loco por una especie de justicia. La integridad lo trastorna todo.

Si los hermanos Boulting se hubieran detenido allí, seguirían siendo fundamentales para la conciencia nacional, parte de la historia que Gran Bretaña se cuenta a sí misma. Pero entre una serie de fallos posteriores, tenían una película más tan maravillosa, de una manera muy diferente, como Brighton Rock. El camino familiar (1966) es, en mi opinión, la película más cálida y reconfortante realizada en Gran Bretaña entre El sabor de la miel y Kes. Basado en una obra de Bill Naughton, creador de Alfie, ofrece una visión contraria de la moral y las costumbres sexuales de los años sesenta. Dónde Alfie es toda complicidad engreída, El camino familiarArthur Fitton (interpretado por Hywel Bennett) es un soñador sensible, demasiado oprimido por la cercanía de su familia y vecinos para poder consumar su matrimonio con Jenny Piper (Hayley Mills). Alrededor de los jóvenes se forma el guiño, la conspiración condescendiente del chisme, un mundo que sospecha del placer y mira lascivamente a la belleza. Para un joven que aspira a los libros y a Beethoven, parece una trampa: el noble romance de la vida reducido por una broma común sobre el cuerpo, la insistencia en nuestro yo que bebe cerveza, ronca y suda. El camino familiar es una película lista para explorar el conflicto entre las demandas de nuestra naturaleza y nuestro deseo de cosas superiores. Sin embargo, sobre todo, es una comedia tierna que está dispuesta a cuestionar la superioridad de la risa a la tristeza, y que encuentra en la risa ajena algo castigador y duro. Al final, cuando su hijo menor le pregunta por qué llora, John Mills como el Sr. Fitton declara: "Es la vida, hijo. Puede que te haga reír a tu edad, pero un día te hará llorar". Es un arte poco común que puede casar la melancolía de esto con la compasión, la resiliencia y el humor. Los hermanos Boulting no siempre fueron tan buenos como este, pero pocos cineastas lo son.

La temporada de los hermanos Boulting se celebra en el BFI Southbank del 3 al 30 de agosto.


Roy Boulting, 87 cineasta británico también conocido por su romance con Hayley Mills

Roy Boulting, un cineasta que hizo algunas de las películas más conocidas de Gran Bretaña y luego ganó notoriedad por su romance y luego matrimonio con la joven actriz Hayley Mills, falleció. Tenía 87 años.

Boulting murió el lunes de cáncer en un hospital cerca de su casa en Eynsham, en el sur de Inglaterra, dijo el amigo de la familia Peter Evans.

El cineasta trabajó alternativamente como director y productor con su gemelo idéntico, John. Los hermanos fueron considerados fuerzas importantes en la industria cinematográfica británica de posguerra.

Roy Boulting dirigió dramas tan descarnados como “Brighton Rock”, una película de 1947 que lanzó la carrera de actor de Richard Attenborough.

También produjo y coescribió “Seven Days to Noon”, una película de 1950 sobre una amenaza de ataque nuclear en Londres, que ganó un premio de la Academia a la mejor historia cinematográfica.

Cambiando a una tarifa más ligera en los años 50, Boulting produjo la comedia "Private's Progress" con Attenborough, y la sátira sindical "I'm All Right, Jack", que ayudó a Peter Sellers a encontrar el estrellato en 1959. Boulting luego dirigió a otros Sellers proyecto, "Hay una chica en mi sopa", una comedia de 1970 que también protagonizó Goldie Hawn.

Pero fue el romance de mayo-diciembre de Boulting en la década de 1960 con Mills, la joven estrella de películas de Disney como "Pollyanna" y "The Parent Trap", lo que generó titulares en todo el mundo.

Se conocieron y se enamoraron en el set de "The Family Way", una película de 1966 que Boulting escribió y dirigió y que puede ser mejor conocida como la película en la que Mills se despojó de su imagen de niña al hacer una escena de desnudo.

Boulting tenía 53 años y todavía estaba casado con su tercera esposa, Enid Mills tenía 20.

“Era muy consciente de la enorme diferencia de edad entre nosotros, razón por la cual no quería casarme con ella, a pesar de que ella quería casarse”, le dijo al Daily Mail de Londres en 1998. “Realmente pensé Yo era demasiado mayor para ella. . . así que vivimos juntos pero, cinco años después, cuando ella me dijo: 'Roy, quiero tener un bebé', me di cuenta de lo seria que estaba y nos casamos ".

Se casaron en 1971 con su hijo, Crispian Mills, que más tarde se convirtió en el cantante principal del grupo pop Kula Shaker.

Aunque se divorciaron en 1977, Boulting le dijo al Daily Mail que siempre consideró a Mills como "el gran amor de mi vida".

Nacido en Bray, Inglaterra, Boulting se enamoró del cine a los 7 años, gracias a una niñera que lo llevó a él y a su hermano al cine cuatro veces por semana.

Después de asistir a la Universidad McGill en Montreal, Canadá, Boulting regresó a Inglaterra, donde trabajó en ventas de películas antes de convertirse en asistente de dirección.

En 1937, él y su hermano cofundaron Charter Films, una productora independiente que luego rebautizaron como Boulting Brothers Productions.

Roy dirigió sus dos primeros trabajos, cortometrajes de 30 minutos, y rápidamente pasaron a los largometrajes. En 1940, llamaron la atención con "Pastor Hall", una película basada en la historia de un clérigo alemán asesinado por los nazis.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Boulting ascendió al rango de capitán en el Royal Armored Corps. También trabajó en varias películas de batalla que utilizaron material filmado por unidades cinematográficas del ejército y de la Royal Air Force: "Desert Victory", "Birmania Victory" y la ganadora del Oscar "Tunisian Victory" (una colaboración con el director estadounidense Frank Capra).

A lo largo de sus carreras, los Boultings fueron campeones del cine independiente, y de 1958 a 1972 fueron directores de British Lion Films, que financió y distribuyó películas realizadas por productores británicos independientes y controló Shepperton Studios.

Roy y John Boulting hicieron su última película juntos en 1979, la fallida "The Number", que Roy produjo y John dirigió.

En 1985, el año en que murió su hermano, se dice que Roy Boulting perdió su pasión por el cine y se retiró para escribir sus memorias.

En sus últimos años, las circunstancias económicas lo obligaron a vivir en un sórdido piso municipal de un dormitorio en un pueblo de Oxfordshire, donde en 1997 él y su hijo Crispian pusieron fin a un distanciamiento que había durado 20 años.


Asociación de Historia Laboral de Nueva York

Soy un gran admirador de las listas de "Lo mejor de", por lo que era solo cuestión de tiempo hasta que compilara una lista de las mejores películas relacionadas con los sindicatos y el lugar de trabajo. Busqué en Internet listas de películas relacionadas con sindicatos o trabajadores y me aseguré de incluir mis favoritos personales. Aquí, en orden cronológico, están los resultados:

Qué verde era mi valle (Estados Unidos, 1941)
La épica historia de John Ford sobre una familia de mineros de carbón galeses (con Walter Pidgeon y Maureen O’Hara interpretando a los padres) contiene en su corazón un debate sobre la sindicalización. Mientras Ford mantiene el enfoque en la dinámica familiar y el tema de la seguridad de los trabajadores, teje a lo largo de la película los diversos argumentos a favor y en contra de los sindicatos, dejando la última palabra para el ministro local: “Primero, tenga su sindicato. Lo necesita. Solo eres débil. Juntos sois fuertes ".

La sal de la tierra (Estados Unidos, 1954)
Dirigida por Herbert Biberman, La sal de la tierra es famoso en la historia del cine porque casi todos los involucrados en la realización de la película fueron incluidos en la lista negra de Hollywood como parte del susto rojo de la década de 1950, también conocida como la Era McCarthy para el senador de Wisconsin Joseph McCarthy. La película cuenta la historia de una huelga en 1951 en Nuevo México contra una empresa minera de zinc. La historia es inusual para la época en que la mayoría de los trabajadores son inmigrantes mexicanos, además, un aspecto importante de la historia es la lucha entre los trabajadores varones y sus esposas. Los trabajadores varones en huelga quieren que sus esposas se queden en casa, cocinen y se ocupen de los niños. Las mujeres quieren ayudar a los hombres a ganar la huelga. ¿Adivina quién gana ese argumento? Cuando el dueño de la mina obtiene una orden judicial contra los trabajadores en huelga, las mujeres dan un paso al frente y mantienen los piquetes.

En el paseo marítimo (Estados Unidos, 1954)
Para muchas personas de cierta edad, la película de Elia Kazan sobre el conflicto en los muelles entre un líder sindical brutal (Johnny Friendly, interpretado por Lee J. Cobb) y un trabajador portuario desilusionado (Marlon Brando) fue su primera introducción a la idea de un sindicato. y no fue una imagen positiva. Kazán, que acababa de testificar ante el Comité de Actividades Antiamericanas, donde nombró nombres de posibles comunistas, estaba claramente tratando de dejar claro el heroísmo de defender lo que uno cree contra todo pronóstico. Pero los trabajadores sindicalizados saben que el poder de un Johnny Friendly palidece en comparación con el poder de las personas que dirigen las empresas que, en última instancia, pagan a los trabajadores. Quizás hubiera ayudado saber que Johnny Friendly se basó en un líder real de la ILA que fue severamente disciplinado por la Federación Estadounidense del Trabajo por sus tácticas violentas.

El juego de pijamas (Estados Unidos, 1957)
A primera vista, El juego de pijamas es solo otro musical de Hollywood basado, en este caso, en la obra del mismo nombre y con la canción "Steam Heat". Pero tras un examen más detenido, El juego de pijamas resulta ser una historia sobre una lucha entre los trabajadores y la administración. Doris Day interpreta a la delegada sindical en una fábrica de pijamas que ha estado presionando por un aumento. John Raitt es superintendente. Estos representantes de los trabajadores y la administración comienzan una historia de amor, pero sus roles laborales los separan, y después de que Day daña algunas máquinas durante una desaceleración, el superintendente Raitt la despide. Pero luego (a través de la magia de las películas), Raitt descubre hechos nefastos en la gestión y se las arregla para traer de vuelta a Doris (para trabajar y con él), conseguir que todos el aumento y todos vivan felices después. OK, no es La lista de Schindler, pero hay un mensaje debajo del canto y el baile. Codirigida por George Abbott (también coguionista) y Stanley Donen.

Estoy bien, Jack (Reino Unido, 1959)
John Boulting dirigió esta película británica satírica sobre la trama del siniestro propietario de una empresa para hacer subir el precio de su producto incitando a los trabajadores a la huelga y luego transfiriendo el negocio a una empresa rival, de la que también es propietario en secreto. Todo se juega para obtener grandes risas, la mayoría de ellas generadas por Peter Sellers como el jefe sindical con simpatías bolcheviques y un bigote de Hitler. Una mirada cínica tanto a los líderes sindicales como a la dirección, al final queda claro quién tiene el poder real.

Los Molly Maguires (Estados Unidos, 1970)
Martin Ritt dirigió esta historia de los mineros del carbón en el noreste de Pensilvania en la década de 1870, que se basa en una historia real. Molly Maguire, dirigida por Jack Kehoe (Sean Connery), es una especie de proto-unión que está en guerra con los dueños de las minas en busca de mejores condiciones laborales y de salario. Las diferencias entre Molly Maguire y una verdadera unión son significativas: el grupo de Connery es una organización secreta y se sienten cómodos usando la violencia para lograr sus fines. Un detective de Pinkerton (Richard Harris) se infiltra en el grupo e intenta descubrir sus secretos, con resultados trágicos. Ritt volvería a examinar el tema de la unión en 1979 con Norma Rae.

Condado de Harlan, EE. UU. (Estados Unidos, 1976)
La directora Barbara Kopple ganó un Oscar al Mejor Documental por su reportaje sobre el terreno de una huelga de mineros de Kentucky en 1972 en Condado de Harlan, EE. UU.. Los enfrentamientos entre los trabajadores en huelga y los rompehuelgas contratados se volvieron violentos rápidamente, e incluso Kopple y su camarógrafo fueron golpeados. La película recuerda al público que, incluso en la década de 1970, tácticas de gestión como estas eran comunes y el sueño de un lugar de trabajo donde la dirección y el trabajo vivieran en perfecta armonía aún estaba lejos.

PUÑO. (Estados Unidos, 1978) / Hoffa (Estados Unidos, 1992)
Hoffa es una película biográfica bien hecha pero ambivalente del líder de los Teamsters, con una actuación perfecta de Jack Nicholson, dirigida por su coprotagonista Danny DeVito. Obtenemos lo bueno, lo malo y lo feo del controvertido líder sindical, tanto su incansable dedicación a los trabajadores que representaba como algunas de las malas decisiones que tomó mientras estaba en el poder. Hecho 14 años antes, PUÑO., dirigida por Norman Jewison y protagonizada por Sylvester Stallone, toma los esquemas básicos de la biografía de Hoffa y los ficcionaliza. El resultado no es una gran realización cinematográfica y Stallone demuestra que debe mantenerse en el ring de boxeo. Ninguna película tiene una respuesta a la pregunta: ¿Dónde está el cuerpo de Jimmy Hoffa?

Collar azul (Estados Unidos, 1978)
Paul Schrader, el hombre que escribió Conductor de taxi, escribió y dirigió este drama criminal, que se ubica directamente en el campo de “los sindicatos son corruptos”. Richard Pryor, Yaphet Kotto y Harvey Keitel son trabajadores automotrices de Detroit que están tan enojados por el maltrato por parte de la gerencia y su sindicato que deciden robar el sindicato. En la caja fuerte, encuentran evidencia de corrupción y vínculos con el crimen organizado. Como en En el paseo marítimo, el tema es los pequeños contra las grandes organizaciones, pero la suposición de que todos los sindicatos son corruptos era en ese momento un estereotipo, no una evaluación precisa basada en los hechos. Al mismo tiempo, la película no explora la enorme diferencia de poder entre los dos supuestos "enemigos" de los pequeños; como siempre, la dirección tiene la mayoría de las cartas.

Norma Rae (Estados Unidos, 1979)
Si En el paseo marítimo estableció el prototipo de sindicatos para una generación, Norma Rae revirtió la impresión para la siguiente. Dirigida por Martin Ritt y protagonizada por la ganadora del Oscar Sally Field y Ron Liebman, la película se centra en una campaña de organización sindical en una fábrica textil del sur. En el camino, obtenemos una historia de amor de "dos mundos diferentes" entre Field y Liebman, una mirada a la vida familiar y cómo hacer frente a los bajos salarios del trabajo textil, y una visión de cómo se ve y suena realmente trabajar en una fábrica textil. La película termina con optimismo, pero en la vida real (como suele ser el caso, especialmente en los estados con derecho al trabajo), el voto a favor de los sindicatos fue solo el comienzo de la lucha.

Silkwood (Estados Unidos, 1983)
Mike Nichols dirigió a Meryl Streep en este tenso thriller sobre un empleado de una empresa de plutonio que se encuentra con algunos defectos de seguridad graves en los productos radiactivos. Streep interpreta a un delegado sindical en Kerr-McGee y es claramente su asociación con el sindicato lo que subyace en gran parte de su actividad en la segunda mitad de la película, aunque el guión mantiene las referencias sindicales al mínimo. La película es muy eficaz para mostrar cómo los delegados sindicales se comunican con otros trabajadores en el trabajo y en casa. Finalmente, Silkwood decide hacer sonar el silbato y dar la información a un periodista, pero muere en un misterioso accidente automovilístico camino a la reunión. La película sugiere que el "accidente" pudo haber sido un asesinato, pero el caso nunca se ha resuelto.

Matewan (Estados Unidos, 1987)
Chris Cooper, James Earl Jones y Mary McConnell protagonizan esta recreación ficticia de una lucha de 1920 entre los mineros del carbón de Virginia Occidental que intentan mejorar su suerte organizando un sindicato y los propietarios (y sus matones contratados) que quieren seguir explotando. John Sayles, quien escribió y dirigió Matewan, explora no solo la voluntad de los propietarios de utilizar todos los medios necesarios para recuperar el control, sino también las tensiones entre los trabajadores blancos y negros, entre hombres y mujeres, y entre el forastero (Cooper, que interpreta a un organizador de la UMW) y los nativos. De alguna manera, Sayles completó el proyecto, con su elenco masivo y espectaculares escenas de batalla, por menos de $ 4 millones.

Roger & amp Me (Estados Unidos, 1989)
Michael Moore, documentalista y propagandista, tuvo su primer éxito con esta irónica historia de sus intentos de reunirse con el director ejecutivo de General Motors, Roger Smith (presumiblemente para regañarlo). En el camino, Moore nos guía a través de algunas décadas de historia (en su mayoría con precisión), enfocándose en los hombres y mujeres empleados por GM a lo largo de los años, especialmente aquellos en Flint, Michigan, la ciudad natal de Moore. Si bien Moore tiene sus críticos, y su enfoque de tirar todo allí y ver qué palos puede ser molesto, su punto central es sólido: que las grandes empresas que deciden despedir trabajadores y cerrar plantas o mover plantas al extranjero no están controladas por la economía - ellos están la economía. La mejor evidencia de esto es el hecho de que no importa lo mal que estén los trabajadores y ex trabajadores (hasta el punto de vender conejos “para mascotas o carne”), a personas como Roger Smith les va bien.

Newsies! (Estados Unidos, 1992)
Otro musical laboral, esta vez de Disney. Basado en la huelga de los vendedores de periódicos de la ciudad de Nueva York de 1899, este espectáculo de baile y canto está protagonizado por un joven Christian Bale, con el apoyo de Bill Pullman, Ann-Margret y Robert Duvall. Más que sólo Annie Con los periódicos, la película muestra la desesperada pobreza en la que vivían los vendedores de periódicos, aunque no explica cómo pueden cantar y bailar tan bien con una dieta tan escasa.

Germinal (Francia, 1993)
Claude Berri dirigió esta versión cinematográfica de la novela del siglo XIX de Émile Zola que relata los intentos de los mineros del carbón franceses de organizar un sindicato en la década de 1860. Gerard Depardieu protagoniza el líder de una huelga que comienza bien pero se derrumba en un tumulto. Se culpa a Depardieu por el fracaso, lo que llevó a su archienemigo, un minero anarquista, a intentar matarlo en la mina. No estropearé el final.

Espacio de oficina (Estados Unidos, 1999)
La comedia contemporánea de Mike Judge no tiene nada que ver con los sindicatos, pero dice mucho sobre lo absurdo del lugar de trabajo moderno, en particular el entorno de la oficina de negocios. Aunque el concepto y los personajes son mejores que la trama real, hay suficientes risas sabias (informes de TPS, estilo, etc.) para sostener al espectador hasta el final. Por alguna razón, Jennifer Anniston está en eso. ¿Y alguien podría devolverme mi grapadora? Ya conoces el uno, rojo, Trimline ...

Pan y Rosas (Reino Unido, 2000)
El cineasta y cronista británico de la clase trabajadora Ken Loach viajó a California para contar la historia ficticia de dos inmigrantes centroamericanos que se involucran en una huelga de conserjes en Los Ángeles. La película está basada en la huelga de Justicia para los Conserjes de SEIU de abril de 1990 y también trata temas de raza, clase e inmigración. Adrian Brody interpreta a un abogado sindical.

Hecho en Dagenham (Reino Unido, 2010)
La subestimada actriz británica Sally Hawkins realiza una actuación sutil y convincente como una maquinista de coser sindicalizada, una de las muchas mujeres que cosían tapicería para automóviles en una planta de Ford en Inglaterra. Finalmente, Hawkins y su sindicato lideran a las mujeres en una huelga basada en la desigualdad salarial entre trabajadores y trabajadoras. La película está basada en hechos reales en la planta de Dagenham Ford en 1968. Nigel Cole la dirigió. Las coprotagonistas incluyen a Bob Hoskins, Miranda Richardson y Rosamund Pike.

John M. Becker es abogado del bufete de abogados Sandulli Grace, P.C. en Boston [www.sandulligrace.com], donde ha representado a sindicatos y empleados en asuntos laborales y laborales desde 1996. Para ver más listas de John, visite su sitio web, Haz listas, no guerras [www.beckchris.wordpress.com].

© 2015 Sandulli Grace, P.C. Reproducido con permiso.

Sobre NYLHA

La Asociación de Historia Laboral de Nueva York (NYLHA) fue fundada en 1976 por sindicalistas, académicos, estudiantes, archiveros, educadores, editores laborales, abogados y jubilados, principalmente del estado de Nueva York. La NYLHA fomenta el estudio de los trabajadores y sus organizaciones y sirve de puente entre los sindicalistas y académicos del pasado y el presente.


Reseñas populares

Esta es una de las mejores películas sobre el nacimiento del cine que he visto.

Siempre que Martin Scorsese recomiende una película, le sugiero que la vea. Cada país tiene un pionero diferente que supuestamente inventó el cine. Según esto, los británicos pensamos que fue William Friese-Greene. Hay una escena en esta película en la que finalmente reproduce una película. Este momento es uno de los mejores retratos de la magia del cine. Cuando se da cuenta de lo que ha hecho, lo primero que hace es encontrar a alguien con quien compartirlo y resulta que es un oficial de policía en una patrulla nocturna interpretada por Lawrence Olivier. Esta película se pasa por alto criminalmente. Sugeriría que cualquier fanático del cine lo vea.

dulce carta de amor al nacimiento del cine desde una perspectiva británica. Desearía que algunos de los cameos fueran más largos, pero bueno, fue lindo independientemente. Eric Portman fue mi favorito como siempre.

También no puedo dejar de pensar en robert donat feo y feliz llorando en esto. como mocos que gotean y todo. Siento que es muy raro verlo en una película tan antigua. Realmente lo vendió y me lo comí

Una película biográfica aburrida y poco confiable que pretende ser la historia del pionero del cine William Frieze-Greene. Sin lugar a dudas, inventó ciertos procesos, pero no fue el inventor de la cinematografía, ese fue Louis Le Prince, con sede en Leeds.

Hacer afirmaciones elevadas y promover la historia en términos patrioteros no le hace a esta película ningún favor real, aunque Robert Donat es bueno en el papel principal, y hay interés en el elenco de apoyo que incluye a Stanley Holloway como un alegre baliff y Sid James como sargento del ejército.

(editar: revelación completa, esto va a sonar como si no pudiera haber prestado suficiente atención a esta película para amarla tanto como digo que lo hago, pero a veces se me escapan cosas realmente grandes porque soy un extraterrestre y tengo Para agregar que me confundí con las dos actrices que interpretaban a las dos esposas aquí y todavía creo que podría haber nombrado a la incorrecta a continuación o que ambos momentos podrían provenir de actrices separadas ... Simplemente extrañé totalmente el cambio entre esposas y yo. Necesito ver la película nuevamente para ver dónde ocurre eso o si es una de esas extrañas muertes fuera de la pantalla como en Our Vines Have Tender Grapes ...)

La caja mágica es una película biográfica muy ficticia (como de costumbre) de uno de los inventores del cine William Friese-Greene. La película se hizo como una película de prestigio para el festival británico de 1951 y cuenta con innumerables estrellas británicas, grandes y pequeñas, que van desde Ralph Richardson y Laurence Olivier hasta Ronald Shiner y Robertson Hare. A ninguno se le da mucho que hacer y muchas caras conocidas aparecen tan brevemente en grupos fotográficos, etc., que puedes parpadear fácilmente y pasarlas por alto, como hice yo en muchos casos. Aunque Robert Donat, muy en el modo Mr. Chips, interpreta al inventor británico pasado por alto.
Las principales contribuciones de Friese-Greene a la cinematografía fueron que en 1889 patentó una 'cámara cronofotográfica, que era ...

No es de extrañar por qué a alguien como Martin Scorsese le encanta esta imagen, es una carta de amor a la devoción de un hombre de hacer avanzar el medio cinematográfico no con fines de lucro o beneficio personal, sino para que disfruten los niños del futuro, esto es algo que el protagonista William Friese- Greene predica hasta que literalmente cae muerto (* golpe *).

Hay muchos actores británicos notables que hacen cameos a lo largo de la película, ya que claramente esta película fue importante para la industria cinematográfica británica para mostrar cómo uno de los suyos fue responsable de la invención de la cinematografía (discutible). Mi favorito es el momento en que finalmente se abre paso en su trabajo y debe mostrárselo a otra persona, en medio de la noche que encuentra ...

William Friese-Greene dedica su vida al desarrollo de una cámara de cine. A pesar de los costos personales y financieros de la búsqueda resuelta de su esposo para desarrollar y exhibir su cámara, sus dos esposas (Friese-Greene se volvió a casar después de la muerte de su primera esposa) le apoyan lealmente sus objetivos. Desafortunadamente, Friese-Green nunca recibe reconocimiento público por sus contribuciones al desarrollo de una cámara cinematográfica, y vive en la pobreza y la oscuridad a su muerte en 1921.

Esta película se realizó como una contribución al "Festival de Gran Bretaña", una celebración pública de la vida y los logros británicos que pretende elevar la moral de un público británico que aún sufre dificultades durante el difícil período posterior al final de la Segunda Guerra Mundial. Robert Donat interpretó al inventor y muchas estrellas de cine británicas se unieron al elenco como contribución al Festival.

Visto en el TCM Film Festival, Hollywood 2017

He visto muchas películas biográficas pero ninguna como La caja mágica. Se basa en el pionero del cine William Friese-Greene. La película se cuenta a través de flashbacks que revelan múltiples obstáculos que Friese-Greene tuvo que superar. Lo que hace especial a esta película es que muestra la lucha que vivieron personas como Friese-Green en su época. Inventores que soñaban con el mañana, un futuro que nadie más que él veía. Esta es una película especial para mí porque trata sobre una obsesión que tienes por algo. No importa si tienes éxito o fracasas, lo importante es que te mantengas fiel a ti mismo. Y por cierto, tiene una gran secuencia en la que, tras descubrir imágenes en movimiento, Friese-Green corre ...

Guapo si algo que biopic estático sobre uno de los pioneros del cine británico. Sin embargo, algunas actuaciones excelentes, incluido un encantador papel central del propio Donat.

Sin duda, hubo muchas personas trabajando en algunos de nuestros inventos más importantes en la época en que se hicieron prominentes.

William Friese-Greene pasó su vida trabajando en la cámara cinematográfica, y aunque no es el inventor oficial, es alguien que contribuyó con su trabajo a lo que se convirtió en el producto final. Su historia es contada por un elenco de estrellas (incluso en papeles pequeños) en "La caja mágica" de 1951, protagonizada por Robert Donat y Maria Schell.

Greene tuvo la primera patente de una cámara cinematográfica, y los problemas financieros, que lo acosaron toda su vida, le llevaron a vender su patente por 500 libras. También creó un sistema "Biocolor" que ganó en una demanda contra un sistema llamado Kinemacolor. Esta…

Aburrido, pero el color es hermoso y el material de la cámara es genial.

Inventar la historia
(publicado originalmente en IMDb el 21 de diciembre de 2007)

Esta película biográfica del inventor William Friese-Greene se basó en el libro de Ray Allister "Friese-Greene: Close-up of an Inventor". Allister utilizó los recuerdos de la familia y los amigos del inventor para su biografía. Estas fuentes a menudo han demostrado ser poco fiables, y este es un caso. Brian Coe y otros historiadores han desacreditado algunos de los mitos inventados por Friese-Greene y perpetuados por su familia, amigos y biógrafos. El resultado mítico aquí, en esta película, es que Friese-Greene aparece como el principal inventor de las películas y el cine.

El clímax de "La caja mágica" tiene a Friese-Greene proyectando su película tomada en Hyde Park a un policía. La película dentro de la película no son las fotografías reales tomadas ...


Historia de Boulting, escudo familiar y escudos de armas

El nombre Boulting es parte del antiguo legado de las tribus anglosajonas de Gran Bretaña. Es un producto de cuando la familia vivía en Lancashire y Yorkshire, donde derivaron su nombre de cualquiera de los varios lugares nombrados Boulton o Bolton. El nombre significa literalmente distrito caracterizado por curvas de las palabras del inglés antiguo boga y tierra. [1]

Hay numerosos nombres de lugares en todo el norte de Inglaterra que llevan el nombre de esta ilustre familia, incluidos Bolton le Sands en Lancashire, Bolton Castle, Bolton Percy y Bolton upon Dearne en Yorkshire. El Libro de Domesday de 1086 se refiere a Bodeltone [2] y generalmente se entiende que esta es la primera referencia para la mayoría de estos lugares.

Juego de 4 tazas de café y llaveros

$69.95 $48.95

Los primeros orígenes de la familia Boulting

El apellido Boulting se encontró por primera vez en Lancashire, Yorkshire, Cumberland y Northumberland. Este último "es memorable como el escenario de una reunión en 1209, entre John, rey de Inglaterra, y William, rey de Escocia". [3]

El Libro Boldon se preparó por orden de Hugh du Puiset, obispo de Durham en 1183 y, si bien es similar al Libro de Domesday de un siglo antes, el libro enumera las tierras y propiedades de lo que más tarde se convertiría en el condado de Durham, que ahora se conoce como el noreste. . En la actualidad, solo existen cuatro copias manuscritas conocidas.

El Hundredorum Rolls de 1273 tenía dos listghins para la familia: Michael de Boulton, Yorkshire y Thomas de Boulton, o Bolton, Lincolnshire. [4]

En Escocia, el nombre era "probablemente de Bolton en East Lothian". Adam de Boultone fue reeve of Dunfres, 1287. William fiz Geffray de Boultone del counte de Edeneburk rindió homenaje, 1296. John of Boulton fue empleado como albañil en Castle of Linlithgow, 1302, y Robert of Bolton, un escocés, fue liberado de prisión de Colchester, 1396. & quot [5]

Más recientemente, algunos miembros de la familia fueron encontrados en Wrightington en Lancashire. `` Harrock Hall, la sede de la familia Boulton, fue comprada en 1839 a los Rigby, de los cuales, en 1567, ya había sido la residencia durante cuatro generaciones: la casa, alrededor de la cual son 420 acres, ha sido restaurada por el actual poseedor . & quot [3]

Paquete de historia de apellido y escudo de armas

$24.95 $21.20

Historia temprana de la familia Boulting

Esta página web muestra solo un pequeño extracto de nuestra investigación sobre Boulting. Otras 167 palabras (12 líneas de texto) que cubren los años 1191, 1321, 1640, 1645, 1575, 1633, 1575, 1570, 1648, 1592, 1659, 1606, 1654, 1680, 1666, 1639, 1650, 1572, 1631, 1868, 1619, 1611, 1844, 1878 y se incluyen bajo el tema Historia temprana de Boulting en todos nuestros productos PDF Extended History y productos impresos siempre que sea posible.

Sudadera con capucha con escudo de armas unisex

Variaciones ortográficas de Boulting

Los primeros diccionarios que aparecieron en los últimos cientos de años hicieron mucho para estandarizar el idioma inglés. Antes de ese momento, las variaciones ortográficas en los nombres eran algo común. El idioma fue cambiando, incorporando fragmentos de otros idiomas, y la ortografía de los nombres cambió con él. Boulting se ha escrito de muchas formas diferentes, incluidas Boulton, Bolton, Bolten, Boalton, Boultoun, Boultown, Boltan, Boulten y muchas más.

Primeros notables de la familia Boulting (antes de 1700)

Los miembros distinguidos de la familia incluyen a Edmund Bolton o Boulton (1575? -1633?), Un historiador y poeta inglés, nacido en o alrededor de 1575 Sir Richard Bolton (1570? -1648), abogado inglés, hijo de John Bolton, de Fenton, Staffordshire Sir Edward Bolton (1592-1659), un juez de origen inglés que se desempeñó durante muchos años como Procurador General de Irlanda Robert de Boulton, de Lancashire Samuel Bolton (1606-1654), clérigo y académico inglés, miembro de Westminster Asamblea y Maestro de Christ's College, Cambridge Sir William Bolton (fallecido en 1680), un comerciante inglés, Lord Mayor de Londres en 1666 y Sir Richard Bolton (1639-1650).
Otras 96 palabras (7 líneas de texto) se incluyen bajo el tema Notables de Boulting Temprano en todos nuestros productos PDF Extended History y productos impresos siempre que sea posible.

Migración de la familia Boulting a Irlanda

Algunos miembros de la familia Boulting se mudaron a Irlanda, pero este tema no se trata en este extracto.
Otras 237 palabras (17 líneas de texto) sobre su vida en Irlanda se incluyen en todos nuestros productos PDF Extended History y productos impresos siempre que sea posible.

Migración de la familia Boulting

Miles de familias inglesas en esta época comenzaron a emigrar al Nuevo Mundo en busca de tierras y liberarse de la persecución religiosa y política. Aunque el pasaje era caro y los barcos estaban oscuros, abarrotados e inseguros, aquellos que hicieron el viaje con seguridad fueron recompensados ​​con oportunidades que no tenían a su disposición en su tierra natal. La investigación sobre las listas de pasajeros e inmigración ha revelado algunos de los primeros Boultings que llegaron a América del Norte: Richard Boulten, que se estableció en Virginia en 1623, Enoch Boulton se estableció en Virginia en 1660, Everard Boulton se estableció en Pensilvania con su esposa Elizabeth y sus dos hijos en 1682.

Historias relacionadas +

El lema de Boulting +

El lema era originalmente un grito de guerra o eslogan. Los lemas comenzaron a mostrarse con armas en los siglos XIV y XV, pero no fueron de uso general hasta el siglo XVII. Por lo tanto, los escudos de armas más antiguos generalmente no incluyen un lema. Los lemas rara vez forman parte de la concesión de armas: en la mayoría de las autoridades heráldicas, un lema es un componente opcional del escudo de armas y se puede agregar o cambiar a voluntad, muchas familias han optado por no mostrar un lema.

Lema: Vi et virtute
Traducción del lema: Por fuerza y ​​valor.


John Boulting - Historia

Registro de la historia del entorno construido de Londres y # 039 desde 1894

Boulting & # 038 Sons

En la esquina de Riding House Street y Candover Street se encuentra una de las joyas arquitectónicas de South East Marylebone & # 8217: un grupo de apartamentos diseñados para T. J. Boulting & amp Sons. John Boulting & amp Son, ferreteros de muebles, se establecieron quizás ya en 1808 en dos casas cercanas. Esta es la fecha que se muestra con orgullo en el edificio, resaltada en mosaicos dorados junto con el nombre de la empresa.

Detalle de 59-61 Riding House Street, Marylebone, Greater London. Vista desde el sur. Tomado para el Survey of London por Chris Redgrave © Inglaterra histórica

Los sucesivos John Boultings murieron en 1863 y 1873, y en 1879 se anunció la disolución de la sociedad entre un tercer John y Thomas John Boulting. A partir de entonces, la empresa se conoció como T. J. Boulting (& amp Sons).

59-61 Riding House Street, Marylebone, Gran Londres. Vista desde el suroeste. Tomado para el Survey of London por Chris Redgrave © Inglaterra histórica

Entre estos hijos estaba Percy Boulting, nacido alrededor de 1876 y aparentemente formado como arquitecto, a cuyas aspiraciones juveniles bien podrían haberse debido los edificios actuales. A la firma le había ido lo suficientemente bien como para que los miembros de la familia, primero el padre y luego los hermanos de Percy, se diversificaran en pequeñas transacciones de propiedades en la finca de Howard de Walden desde finales de la década de 1890. Naturalmente, se interesaron especialmente por reconstruir en torno a sus obras. Su primera empresa parece haber sido 40 Foley Street, un bloque de pisos de cinco pisos directamente detrás de la dirección de Boultings, construido por John Anley en 1898. Sus diseñadores fueron descritos como Clark & ​​amp Hutchinson con Percy A. Boulting, en otras palabras H. Fuller Clark y CE Hutchinson, dos arquitectos de unos 28 años que se conocieron en la oficina de Rowland Plumbe, además del aún más joven Boulting. Más tarde, el número 40 se le atribuyó solo a Clark, y es a él a quien generalmente se le atribuye la extravagancia del grupo de Boultings. La obra maestra de Clark es la remodelación del pub Black Friar en la ciudad; de lo contrario, su trabajo es poco conocido, aunque afirmó tener una práctica sustancial.

Pisos construidos para Boultings en 40 Foley Street, diseñados por H. Fuller Clark, quizás con H. E. Hutchinson y Percy A. Boulting. Tomado para el Survey of London por Chris Redgrave © Inglaterra histórica

Desde el punto de vista arquitectónico, el No. 40 es un espectáculo actualizado pero no excéntrico que se rompe en bruto en el nivel del segundo piso y termina en dos frontones en forma. El plan sigue el arreglo estándar de finales de la época victoriana en este cuarto de dos pisos por piso, originalmente con una excrecencia sanitaria en la parte posterior en forma de una pila central de bahías compartidas entre dos departamentos. Clark & ​​amp Hutchinson siguieron rápidamente en 1899 con un segundo bloque de pisos enfrente, Belmont House, 5-6 Candover Street, construido esta vez por A. A. Webber. Aquí, un plan similar se presenta en un idioma más pesado y exigente, con un gran cinturón de ladrillos morados que envuelve el primer piso y un toque de letras Art Nouveau.

Tower House, Candover Street. H. Fuller Clark y Percy Boulting, 1903-4. Tomado para el Survey of London por Chris Redgrave © Inglaterra histórica

Tower House, York House y Oakley House, que abarcan las antiguas instalaciones de los Boultings y el pub Sir Isaac Newton en la esquina, siguieron en 1903-194. Esta vez los arquitectos fueron descritos como Fuller Clark y Percy Boulting, sin Hutchinson: los constructores fueron Smith & amp Co. de Mount Street. Una vez más, estos son esencialmente apartamentos de cinco pisos, aunque las partes traseras van un piso más arriba aquí también eran originalmente pilas sanitarias desnudas de ventanales. Los frentes son el reverso de los desnudos. Entre los trucos que se pusieron en práctica se encuentran bandas de ladrillos de tonos sorprendentes, proyecciones de bahía tanto inclinadas como cuadradas, una línea de techo erizada y tres paneles de mosaico separados con letras elegantes que anuncian la firma Boultings y sus productos ('ingenieros eléctricos y de gas' ingenieros sanitarios y de agua caliente '' manufactura de electrodomésticos y estufas ').

Detalle de 59-61 Riding House Street, Marylebone, Greater London. Vista desde el sur. Tomado para el Survey of London por Chris Redgrave. © Inglaterra histórica

El color fue una preocupación evidente, originalmente se utilizaron tres cementos diferentes, mientras que la carpintería de la ventana era toda blanca, excepto los ventanales, con un acabado en roble teñido. A pesar de la insinuación de Voysey sobre estas elevaciones, son completamente individuales y, de hecho, este edificio también se atribuyó solo a Clark cuando se volvió a publicar. La firma Boultings sobrevivió en 59 Riding House Street hasta la década de 1960.En 1978, la propiedad absoluta de todos sus pisos pasó a la Asociación de Vivienda Comunitaria, que empleó a Pollard, Thomas & amp Edwards, arquitectos, para actualizarlos durante la década siguiente. Sus cambios incluyeron la ampliación de las bahías sanitarias en la parte posterior para formar cocinas más generosas.

Detalle de 59-61 Riding House Street, Marylebone, Greater London. Vista desde el sur. Tomado para el Survey of London, por Lucy Millsom-Watkins © Inglaterra histórica


Inglaterra y la paranoia de posguerra n. ° 8217 se arrastra en las sombras de tres film-noirs

Algo portentoso surge de la tranquila y ordinaria vida inglesa de la posguerra: tres negros esquizoides de los directores Carol Reed, Roy y John Boulting y Tharold Dickinson.

La reina de espadas (1949), Director: Thorold Dickinson

Thorold Dickinson y # 8217s la reina de Espadas es una de las mejores películas británicas de la década de 1940 y, por lo tanto, se encuentra entre las mejores películas británicas de la historia. Su deslumbrante encanto estético iguala cualquier cosa del equipo de Michael Powell y Emeric Pressburger, y no hay mayores elogios. A veinte pasos, podría confundirse con una película de Powell & amp Pressburger porque está protagonizada por su colaborador frecuente Anton Walbrook y es muy rica en florituras y alta sensibilidad cultural europea.

La historia comienza en 1806 en San Petersburgo, cuando los esbeltos y jóvenes oficiales imperiales rusos se divierten borrachos entre mujeres gitanas cantando y bailando y tirando fortunas en un juego de cartas caprichoso llamado faro. Esta secuencia abre la película como pretende continuar: una fastuosa muestra de atmósfera en la que la cámara se desliza y se lanza en medio de composiciones abarrotadas de fotografías de claroscuro de alto contraste, desorientando a veces con cortes a detalles contundentes y composiciones llamativas, rodeándonos de música y efectos de sonido tan cuidadosamente orquestados como la sinfonía visual.

El extraño, que mira pero no juega porque no puede arriesgar lo que sea necesario para ganar lo superfluo, es el capitán Herman Suvorin (Walbrook). Su primer nombre se pronuncia en ruso para que suene como & # 8220German & # 8221 con un & # 8220G & # 8221 duro, y de hecho es alemán. Siente que es menospreciado y tolerado como un mero ingeniero, un extranjero, un hombre de familia pobre en medio de aristócratas.

La imagen de Napoleón en la habitación de Suvorin se explica por su discurso sobre el líder como el último advenedizo que salta de clase, y siente que tiene un potencial igualmente grande si tan solo tuviera el dinero. Arde de resentimiento y deseo de clase. Como alemán en este contexto completamente ruso, Suvorin no puede ayudar a capturar un aspecto de la envidia de clase inglesa de posguerra y el sueño de superar un lugar.

La trama comienza correctamente cuando un libro cae en sus manos: las memorias del legendario y misterioso Conde de Saint-Germain (fíjese en el juego de nombres con Herman / German). Un capítulo ilustra un flashback maravillosamente cinematográfico sobre una joven condesa rusa (Pauline Tennant) que, en un lío adúltero con su amante, vende efectivamente su alma al Conde por el secreto de tres cartas ganadoras que le hacen ganar una fortuna.

Suvorin se da cuenta o intuye que esta historia de hace 60 años se refiere a la ahora anciana condesa Ranevskaya (Edith Evans, tremendamente impresionante), una vieja tirano de la sociedad quejumbrosa. Se propone abusar de la confianza de su compañera ratonil, Lizaveta Ivanovna (Yvonne Mitchell), cortejándola con cartas de amor para acceder a la mansión y enfrentarse a la condesa.

La historia razonablemente simple con elementos sobrenaturales está vestida de punta en blanco, con una escena tras otra saliendo como un gran escenario: el baile lujoso, la confrontación llena de suspenso en el tocador, un funeral masivo, una visita fantasmal. Una gran cantidad de jugadores de apoyo contribuyen a la atmósfera, incluidos Ronald Howard, Anthony Dawson, Miles Malleson, Mary Jerrold, Michael Medwin y Valentine Dyall.

Bajo la impecable producción del productor práctico Anatole de Grunwald (de origen ruso) y su asistente de producción Jack Clayton (quien dirigiría otra gran película literaria-sobrenatural británica, 1961 & # 8217s Los inocentes), todos los departamentos están tarareando al máximo de su oficio: el fotógrafo Otto Heller, la editora Hazel Wilkinson, el diseñador de producción y vestuario Oliver Messel, el director de arte William Kellner, el compositor Georges Auric (el vínculo entre las películas de Jean Cocteau y Ealing Studios), el maquillador Robert Clarke (especialmente en Evans) y el equipo de sonido.

Anton Walbrook en la reina de Espadas (Foto de THE RONALD GRANT ARCHIVE & # 8211 © DE GRUNWALD PRODUCTIONS / ABPC / IMDB)

Como observa Martin Scorsese en una introducción, una de las maravillas de la película es que Dickinson entró en el proyecto en el último minuto, solo unos días antes de que comenzara la producción. La película estaba programada para ser dirigida por Rodney Ackland, quien coescribió el guión con Arthur Boys, pero una pelea con De Grunwald resultó en que abandonaran el proyecto. Dickinson entró para reelaborar el guión y tomó la decisión de abandonar un enfoque de & # 8220 labio superior rígido & # 8221 yendo & # 8220todos a la extravagancia & # 8221. La presión de último momento inspiró a Dickinson, junto con las limitaciones de trabajar en un pequeño estudio sin muchos recursos. Como todo el mundo ha observado desde entonces, no se podría decir que no es una producción cara con un elenco de cientos.

Aunque dirigió solo nueve largometrajes, Dickinson tuvo una carrera distinguida en muchos aspectos del cine, desde la escritura y la edición hasta la programación y la enseñanza. Su película más famosa fue su proyecto anterior con Walbrook, la versión de 1940 de Luz de gas que casi todas las copias fueron destruidas por MGM para promover su remake de 1944 con Ingrid Bergman. La versión de Dickinson & # 8217 es la más creíble porque su estrella, Diana Wynyard, transmite el tipo de violeta marchita que nació para ser engañada por su esposo, mientras que Bergman proyecta tal inteligencia y fuerza que el espectador debe suspender una considerable incredulidad ante su penumbra hasta que finalmente estalla. en rabia satisfactoria al final.

Dickinson, a quien se escuchó en dos entrevistas de audio, no siempre puede hacer que sus comentarios se tomen al pie de la letra. Por ejemplo, afirma que este fue el debut cinematográfico de Mitchell y Evans, como aclara el comentario de Nick Pinkerton, que no es del todo cierto. Dickinson también dice que la película tuvo una recepción mixta en Cannes porque el neorrealismo estaba de moda, mientras que su película era un retroceso al expresionismo mudo. Pinkerton señala que la ganadora de Cannes ese año fue Carol Reed & # 8217s El tercer hombre, un compañero de viaje del expresionismo británico y estilo wellesiano que no tiene nada que ver con el neorrealismo. Además, la muy bien revisada película de Dickinson & # 8217 fue nominada para un BAFTA, nuevamente perdiendo ante la película de Reed & # 8217s.

Aún así, la obra maestra de Dickinson suele caer fuera de la conciencia cinematográfica británica porque no parece muy inglesa. En realidad, traduce brillantemente los miedos y fobias de conciencia de clase de Inglaterra en los términos de la Rusia imperial. Esta brillante presentación le da a la imagen y al sonido la riqueza y profundidad que merecen y debería convertir a muchos paganos ignorantes al evangelio de Dickinson.

Siete días para el mediodía (1950), Directores: Roy y John Boulting

Lo que Dickinson quiso decir con & # 8220 el labio superior rígido & # 8221 y el neorrealismo puede ser indexado por Siete días para el mediodía, producida, dirigida y editada por los Boulting Brothers, gemelos que fueron responsables de una larga serie de excelentes comedias y thrillers ingleses. Aquí vemos la misma tendencia que ocurre simultáneamente en Hollywood noir, una transición a un estilo semi-documental uniforme y uniformemente iluminado tocado por el neorrealismo. Y, sin embargo, siempre que las escenas clave tienen lugar por la noche o en entornos sombríos, el impulso expresionista latente de la iluminación de claroscuro emerge suavemente para secuestrar la estética, como el Sr. Hyde que se hace cargo del Dr. Jekyll.

La película comienza en una mañana brillante y plana en el número 10 de Downing Street, la oficina del primer ministro, mientras vemos al cartero cotidiano hacer sus rondas y dejar caer una carta de aspecto ordinario por la ranura. (¿Realmente es así como se entrega el correo allí? No importa.) Los acordes retumbantes de John Addison, que componían su primera película, anuncian que algo portentoso surge de la tranquila vida ordinaria del inglés, y luego los créditos se involucran en una curiosa interpretación del derecho a ... paneo a la izquierda mientras la cámara fluye de izquierda a derecha a través de las vías del tren, generando impulso y suspenso al ritmo de la música turbulenta. Es un cameo estilístico de cómo funciona la película.

El primer carrete consiste en una actividad que aumenta lentamente entre los labios superiores rígidos que con calma realizan su trabajo investigando la extraña carta, en la que un científico nuclear promete que, a menos que el Primer Ministro anuncie el cese de la construcción de armas nucleares, estallará una en el en medio de Londres el domingo siguiente y crear & # 8220 oscuro, oscuro, oscuro en medio del resplandor del mediodía & # 8221, citando a Milton. Apropiadamente, lleva el explosivo en su bolsa Gladstone, que lleva el nombre de un ex primer ministro.

El resto de la película se cruzará entre las autoridades que actúan en una comunión discreta y eminentemente eficiente y las actividades solitarias del pícaro profesor Willingdon (Barry Jones), un hombre de mediana edad calvo representado como teniendo un colapso religioso sombreado de la tensión de su trabajo. El diálogo implica que esta condición es un subproducto potencial de tal trabajo, aunque incluso su ruptura se lleva a cabo con el labio superior rígido. Demuestra una fuga esquizoide muy inglesa.

Barry Jones y Olive Stone en Siete días para el mediodía (IMDB)

& # 8220¿Qué harías si estuvieras convencido de que los resultados de tu vida & # 8217s trabajo están siendo destinados a un mal propósito? & # 8221 pregunta a su vicario antes de afirmar que cada hombre debe responder en última instancia a su propia conciencia. Este es un mundo de hombres, con las mujeres como espectadoras indefensas o, dependiendo de su clase, como incautos semi-cómicos. Cuando sea Siete días para el mediodía inyecta una nota cómica entre los muchos ciudadanos, siempre proviene de un acento de clase trabajadora o cockney, mientras que los hombres que dirigen el espectáculo son sombríos e imperturbables y nunca abandonan sus angustias.

Aún así, las mujeres son las que siguen haciendo descarrilar los planes de Willingdon. Su primera casera entrometida (Joan Hickson) se distrae con sus pasos por encima de su cabeza en un dispositivo que se remonta a Alfred Hitchcock & # 8217s El huésped (1927). Ella se niega a tener nada que ver con la gente del teatro, y es una actriz envejecida (Olive Sloane) la siguiente que hospeda a Willingdon por una noche. Ambas mujeres tienen un vínculo cómico con los gatos o los perros. Finalmente su hija (Sheila Manahan) actuará como arma secreta para las autoridades.

Se hacen muchas referencias a la guerra, el Blitz y Dunkerque, y el profesor busca socorro en una iglesia todavía bombardeada, donde las palomas (¿de la paz?) Revolotean y arrullan a través del agujero en el techo. La implicación es que la convicción moral, o al menos los valores tradicionales, son un caparazón de su antiguo yo. Las imágenes realistas de la película de Londres y las calles abarrotadas de gente se vuelven inquietantes a medida que la ciudad es evacuada con una notable eficiencia al estilo de Dunkerque.

Un año antes, en la comedia de Henry Cornelius & # 8217 Ealing Pasaporte a Pimlico, los residentes de ese vecindario se sintieron emocionados de volver a las terribles certezas de la Inglaterra de la guerra, mientras que los residentes de esta película enfrentan su repentino transporte con flemas y notas hogareñas de mezquindad. Detrás de toda esta aparente eficiencia está la creciente sensación, también aprovechada por las comedias de Ealing, de eventos que se salen de control debido a las fuerzas más grandes del mundo.

Paul Dehn y James Bernard recibieron un Oscar a la mejor historia por esta película, aunque el guión real se atribuye a Frank Harvey y Roy Boulting. Siete días para el mediodía es probablemente el ejemplo serio más temprano de paranoia nuclear en el cine, un tema que se abordó anteriormente con más ligereza en la fábula infantil de Joseph Losey. El chico de pelo verde (1948). El tema comenzaría a florecer en la ciencia ficción como Robert Wise & # 8217s El día que la Tierra se detuvo (1951) y Siete días para el mediodía ha sido considerado en algunos círculos como una especie de ciencia ficción por este motivo.

La película Boulting hace una comparación intrigante con un largometraje de Hollywood igualmente neorrealista del mismo año, Elia Kazan & # 8217s plague-theme Pánico en las calles, precisamente porque no hay pánico, sino más bien un temor creciente en el espectador a medida que los estrechos escapes y casi descubrimientos del Profesor giran los tornillos de mariposa virtuales de la trama orientada al reloj. Las campanillas del Big Ben & # 8217, utilizadas en el logotipo de apertura de London Films, se convierten en una parte crucial del drama en los momentos finales. Si bien la película finalmente valida la eficiencia de los políticos, la policía y el ejército, su malestar final deriva de no haber resuelto realmente la paradoja moral encarnada por Willingdon.

Otro índice cruzado revelador sería Henry Koster & # 8217s No hay autopista en el cielo (1951), una película estadounidense-británica en la que se considera que otro boffin científico distraído está sufriendo un colapso histérico, pero cuyas desastrosas sospechas quedan justificadas. Las dos películas juntas indican la percepción bipolar o esquizoide del público de los capitanes científicos de la era atómica, que por un lado deben ser admirados y, por otro, deben ser tratados con sospecha.

Una vez más, tenemos una impresión tan nítida en alta definición que incluso podemos detectar el fantasma de la tripulación reflejado en un automóvil brillante en el punto de 17 minutos. Este Blu-ray no tiene extras, pero quizás la efectividad de la película hable por sí misma para una generación que probablemente no haya oído hablar de ella.

El hombre entre (1953) Director: Carol Reed

Igual que Siete días para el mediodía, productora y directora Carol Reed & # 8217s El hombre entre, otra producción de London Films, está plagada de paranoia de la Guerra Fría, esta vez la situación actual en Berlín, todavía fuertemente bombardeada, donde gran parte de la película se rodó en exteriores. Todavía era posible pasar libremente del sector oriental controlado por Rusia al sector occidental, y muchos refugiados estaban cruzando desde Berlín Oriental.

Este es el mundo al que una joven inglesa protegida, Susanne (Claire Bloom), llega en avión para visitar a su hermano Martin (Geoffrey Toone) y a su esposa alemana Bettina (Hildegard Neff, muy glamorosa), que viven cerca de la ruinosa frontera. zona. Martin & # 8217s en el ejército y trabaja todos los días con refugiados.

Tan pronto como llega Susanne, nota detalles extraños. Un chico en bicicleta parece seguirla. Bettina está nerviosa y recibe llamadas telefónicas misteriosas. Dos coches en una persecución presagian cierto drama de fuga. En un club nocturno donde un payaso harapiento tocando dos clarinetes a la vez (las dos mitades de Berlín) proporciona un simbolismo que se remonta a través de los payasos en Jacques Tourneur & # 8217s similar Berlín Express (1948) hasta las películas del Dr. Mabuse de Fritz Lang, Susanne observa a una Bettina malhumorada en un enorme espejo que actúa como una especie de pantalla de cine dentro de la pantalla.

En una excursión al sector oriental, las mujeres son recibidas por Ivo Kern (James Mason), un encantador y ambiguo comerciante de ruedas como Harry Lime de El tercer hombre. Susanne cree que ha estado teniendo una aventura con Bettina, y ahora transfiere su atención a Susanne. Una vez que la trama finalmente aclara lo que está sucediendo en medio de los esquemas y alianzas de Ivo, la última mitad de la película es un thriller bastante sencillo sobre correr, esconderse y esquivar mientras Susanne aprende de primera mano sobre la vida de los refugiados.

Esta parte de la película es donde Reed y el director de fotografía Desmond Dickinson se vuelven locos, o podríamos decir & # 8220todos por la extravagancia & # 8221, superponiendo el claroscuro expresionista y los ángulos inclinados, especialmente en las secuencias nocturnas en sombras que ahora definen la imagen. Esta es también la sección donde la partitura de suspenso de John Addison presenta su romanticismo más doloroso. El estilo domina y determina la historia, escrita por el versátil y prolífico Harry Kurnitz a partir de una historia de Walter Ebert. Otro escritor prolífico y versátil, el escocés Eric Linklater, figura como colaborador no acreditado en IMDB.

James Mason en El hombre entre (IMDB)

Esta película pertenece a una variedad recurrente de películas filmadas en locaciones en las ruinas de Berlín, desde Berlín Express y Billy Wilder & # 8217s Un asunto extranjero (1948) a través de Douglas Sirk & # 8217s Un tiempo para amar y un tiempo para morir (1958), Wilder & # 8217s One, Two, Three (1961) y Robert Siodmak & # 8217s Escape del este de Berlín (1962). Ese último título podría verse como una secuela histórica de la película de Reed & # 8217s. Mientras que los otros directores trajeron un ojo antropológico interno al material, Reed es un forastero, un inglés, y con sensatez presenta a un forastero comprensivo de Inglaterra para experimentar el tumulto como un turista que se siente atraído por su cabeza.

En un agradable eco estilístico, ambos la reina de Espadas y El hombre entre pausa para breves pausas en la ópera. En la película de Dickinson & # 8217s, los personajes presencian una producción de Gluck & # 8217s Orfeo y Euridice, un viaje muy apropiado al inframundo. En la película de Reed & # 8217s, es & # 8217s una producción de Richard Strauss & # 8217 Salomé, en el que el deseo de una mujer joven por un profeta conduce a su muerte.

El hombre entre es mucho menos famoso que Reed & # 8217s El tercer hombre, que le arrebató el premio de Cannes y el BAFTA a la reina de Espadas. El éxito justificado de El tercer hombre desafortunadamente ha eclipsado la mayor parte de la carrera de Reed, que no merece ser eclipsada, y El hombre entre en particular fue ampliamente rechazada por los críticos como una repetición recalentada de El tercer hombre.

En su comentario, Simon Abrams analiza la recepción crítica y lee varias memorias sobre la realización de la película. El rap general es que la historia no estaba a la altura de la dirección, mientras que Abrams hace un caso razonable de que deberíamos ver la película menos como un thriller (a pesar de sus partes emocionantes) y más como un romance cruzado en el que el joven Bloom se sostiene excelentemente con Mason.

Otros dos extras, una entrevista de audio de Mason de 1967 y un perfil de carrera de Reed, nunca mencionan la película, y una breve entrevista con Bloom suena mal. Afortunadamente, este escaneo HD es impecable y enfatiza todo, desde la magnífica fotografía de Dickinson hasta las texturas de vestuario y los excelentes decorados, especialmente el restaurante y la gran casa de Bettina.

Reed ha hecho muchas películas que nos encantaría ver en Blu-ray. Kino Lorber ya ha lanzado Trapecio (1956) y Marginado de las islas (1951) se publicará próximamente. Esperemos que sigan más de sus películas, pero por ahora El hombre entre debería abrir nuestro apetito por un estilista magníficamente visual que sigue siendo paradójicamente célebre y subestimado.Lo mismo ocurre con Thorold Dickinson y los Boultings. El cine británico en general a menudo sufre una acusación por ser serio y aburrido, y esa idea no será revertida hasta que más de sus talentos sean exhumados de las bóvedas para nuestro deleite.

Kino Lorber le ha estado haciendo un favor a la Región 1 al otorgar licencias de Blu-ray de películas clásicas británicas de Francia & # 8217s StudioCanal, que aparentemente posee todo en Europa. Esa es la razón por la que hemos sido bendecidos con un montón de Ealing Films y una serie de los primeros Hitchcocks. Ahora están disponibles tres clásicos perdidos de la posguerra hechos en el período de cuatro años de 1949 a 1953, dos de ellos de London Films y uno de Associated British Pictures. Todos son placeres de mal humor que se complacen en el blanco y negro del negro, que se adentran en las incertidumbres y paranoias de la Inglaterra de posguerra, y ninguno es muy conocido en los Estados Unidos. Intentemos corregir eso.


Referencias

Unionpedia es un mapa conceptual o una red semántica organizada como una enciclopedia - diccionario. Da una breve definición de cada concepto y sus relaciones.

Este es un mapa mental gigante en línea que sirve como base para diagramas de conceptos. Es de uso gratuito y cada artículo o documento se puede descargar. Es una herramienta, recurso o referencia para el estudio, la investigación, la educación, el aprendizaje o la docencia, que puede ser utilizada por profesores, educadores, alumnos o estudiantes para el mundo académico: para la escuela, primaria, secundaria, bachillerato, medio, grado técnico, títulos universitarios, universitarios, de pregrado, maestría o doctorado para trabajos, informes, proyectos, ideas, documentación, encuestas, resúmenes o tesis. Aquí está la definición, explicación, descripción o el significado de cada uno de los significantes sobre los que necesita información, y una lista de sus conceptos asociados como un glosario. Disponible en inglés, español, portugués, japonés, chino, francés, alemán, italiano, polaco, holandés, ruso, árabe, hindi, sueco, ucraniano, húngaro, catalán, checo, hebreo, danés, finlandés, indonesio, noruego, rumano, Turco, vietnamita, coreano, tailandés, griego, búlgaro, croata, eslovaco, lituano, filipino, letón, estonio y esloveno. Más idiomas pronto.

Toda la información se extrajo de Wikipedia y está disponible bajo la licencia Creative Commons Attribution-ShareAlike License.

Google Play, Android y el logotipo de Google Play son marcas comerciales de Google Inc.


Ver el vídeo: MasterChef 4 - Επεισόδιο 2 - John - Audition (Julio 2022).


Comentarios:

  1. Leonce

    Considero que no estás bien. Vamos a discutir. Escríbeme en PM, nos comunicaremos.

  2. Brajora

    Estas equivocado. Puedo probarlo.

  3. Raedburne

    increíble

  4. Kimane

    Desafortunadamente, no puedo ayudar a nada, pero está seguro, que encontrará la decisión correcta.



Escribe un mensaje